quinta-feira, 27 de setembro de 2018

Ukiyo-e: Retratos do Mundo Flutuante e o Prazer Fugaz

     


      Os 250 anos de paz mantidos pelos xóguns Tokugawa do Japão, durante o período Edo, entre 1603 a 1867, encorajaram o florescimento da cultura popular  e, com ela, da arte ukiyoye (ou ukiyo-e ukiyo-ye ou ukiyo-ê) significa literalmente retratos do mundo flutuante (浮世絵).
     O ukiyoye reflete o ensinamento budista de que tudo é ilusão e no período Edo, o termo passou a expressar a busca pelo prazer fugaz. Naquela sociedade altamente estratificada, os comerciantes estavam condenados a pertencer a classe mais baixa, mas a ascensão dos centros urbanos prósperos permitiu que tivessem liberdade financeira para desfrutar do lazer. As gueixas e os dramas de kabuki foram fonte de inspiração para muitos artistas que produziram imagens atraentes para uma clientela urbana. A impressão xilográfica tornou possível reproduzir um grande numero de imagens de forma barata e iniciou a circulação em massa dos ukiyoye (retratos do mundo flutuante). A arte deixou de ser prerrogativa de elite e passou a ser apreciada pelo povo.

       Por volta de 1661, pergaminhos pendurados pintados conhecidos como Retratos de Belezas de Kanbun - nome genérico para pinturas de mulheres (ou por vezes um homem jovem bonito) sozinhos contra um fundo neutro - ganharam popularidade. As pinturas da era Kanbun (1661-1673), a maioria das quais são anônimas, marcaram o início de um novo estilo de pintura e gravura conhecido como ukiyo-e. As pinturas de Iwasa Matabei (1578-1650) são vistas por alguns estudiosos como prova de que Matabei ele era o fundador do gênero. Em resposta à crescente demanda por obras da ukiyo-e, Hishikawa Moronobu (1618-1694) produziu as primeiras impressões de xilogravura ukiyo-e. Em 1672, Moronobu fez tanto sucesso que começou a assinar seu trabalho – o primeiro dos ilustradores do livro a fazê-lo. Ele foi um ilustrador prolífico que trabalhou em uma grande variedade de gêneros e desenvolveu um estilo influente de retratar as belezas femininas. Mais significativamente, ele começou a produzir ilustrações, não apenas para livros, mas como imagens de folha única que poderiam ficar isoladas ou usadas como parte de uma série. A escola de Hishikawa atraiu um grande número de seguidores.
寛文美人図
Beauty of the Kanbun Era
    
     Este exemplo é típico do gênero, que sobreviveu a era Kanbun (1661-1672). A mulher alta e magra, com o cabelo vestido com um estilo elaborado chamado gosho-mago, ou “ palácio chignon,” cobre a boca com as duas mãos, enquanto dança.

      Os desenhos sobre vestuário exterior da mulher incluem áreas de kanoko, ou “castanho-spot” -stitch-resist tingimento intercalados com padrões pintados. As seções com cores brilhantes destacam-se fortemente contra as áreas de terra subjugada decorados apenas com pequenos desenhos florais. Esses padrões contrastantes são característicos dos chamados projetos Kanbun e assemelham-se de perto a laca Kodaiji.
       Desde o século VIII, a xilografia era usada para a reprodução em massa de textos budistas e imagens votivas. Porém, foi apenas no início do século XVI, que as obras seculares também começaram a serem impressas. Os mais antigos exemplos com impressão xilográfica tinham estampas em preto e branco, às vezes coloridas à mão. No início do século  XVII, versões impressas da literatura clássica japonesa começaram a ser reproduzidas na região de Saga, em Kyoto. batizados numa referencia à região da cidade onde eram produzidos, os Saga-Bon, ou livros Saga, eram luxuosos, caracterizados pelo texto em caligrafia graciosa impresso com tipos moveis e ilustrações em preto e branco, no estilo tradicional. Sua publicação marcou o início de uma notável proliferação de livros impressos no Japão, pois fora seguidos por volumes mais baratos sobre as lendas populares e contos de fadas em ilustrações naïf


Saga-Bon: Saga Edition of “The Tales of Ise” (Saga-bon Ise monogatari) - Unidentified Artist


Saga-Bon: Kinryūsan Temple at Asakusa, from the series "One Hundred Famous Views of Edo" - Utagawa Hiroshige (Japanese, Tokyo (Edo) 1797–1858 Tokyo (Edo))


       No século XVIII, já havia mais de 1500 editoras no Japão, alimentando o insaciável apetite do público por livros de assunto variados , de ficção e poesia  a clássicos e guias de viagem.
       As primeiras ilustrações  foram criadas por artistas anônimos, mas na década de 1670, Hishikawa Moronobu (1618 - 1694), ficou tão famoso que começou a assinar suas obras. Além disso, ele deu a mais significativa contribuição à popularidade do ukiyoye ao publicar as imagens em folhas separadas, independentes do texto.

   
A Young Man Dallying with a CourtesanRapaz Flertando uma Cortesã (tradução: Tudo Sobre arte, Ed. Sextante)
de uma série intitulada de doze gravuras eróticas.
Xilografia colorida à mão.
 Hishikawa Moronobu - 1680


           A imagem acima, é um dos primeiros exemplos de shunga (figuras de primavera), gênero de ilustrações eróticas que constituíam parte substanciosa da obra de muitos artistas de ukiyoye.


After a Tune — 低唱の後
 Hishikawa Moronobu - 1680 
          A  estampa pertence a um conjunto de dois painéis, cada um com seis telas dobráveis, que registra a vida no bairro de prostituição Yoshiwara, em Edo (atual Tóquio). Moronobu mostra a área com toda a agitação, suas casas de chá e suas belas cortesãs exibidas em gaiolas de treliça, diante dos bordéis.


Two Lovers
 Hishikawa Moronobu  1675-1680

   Ambas imagens acima, idênticas, salvo por uma ser colorida e outra não, aparece no site ukiyo-e.org  com diferentes nomes: Two LoversAfter a Tune (低唱の後) e A Young Man Dallying with a Courtesan (女とたわむれる若衆), me deixando um pouco confusa, pois não sei se são obras distintas, se estas obras possuem vários nomes ou se isso é apenas um erro da internet, então, optei por seguir minha maior referencia para este post, que é o livro This is Art, (se algum especialista quiser me ajudar, agradeço imensamente!).

Descrição e Análise: 
       Esta cópia, a implantação de uma perspectiva aérea, que era uma característica notável da arte japonesa, retrata dois amantes, um guerreiro samurai cuja espada pode ser visto em primeiro plano deitada ao lado dele, e uma mulher cujo instrumento musical descartado reside na distância média direita com a diagonal do seu pescoço que se prolonga para o canto direito. Acima do instrumento musical, um manto externo parece flutuar no ar como se tivesse acabado de ser retirado. O quarto está representado na forma de elemento por meio de linhas horizontais e verticais que se cruzam com o casal, cujas figuras começaram a fluir juntas nas formas curvilíneas de suas figuras, e mantos. À esquerda uma varanda externa pode ser visto através de um painel aberto.
       A família de Moronobu estava no negócio têxtil e ele aplicou seu conhecimento no padrão das vestes, mas também na sua compreensão do movimento do tecido quando sobre o corpo humano. Seu domínio da linha de origem na sua compreensão da caligrafia, como mostrado aqui em sua  precisa espessura variável, usada para criar as figuras e os seus arredores. Conforme as mangas e vestes dos amantes se movem em linhas paralelas, seus tecidos e figuras começam a se fundir onde seus corpos se encontram. Este é um dos primeiros exemplos de shunga e pode ter sido o frontispício para uma série de 12 cópia que descreve a dança das relações sexuais, já que o frontispício era muitas vezes mais decoroso e postulado como uma espécie de prelúdio.

Courtesan and Client in an Elegantly Decorated Room, from an untitled erotic series
 豪華な部屋に遊女と客
Um de um conjunto de oito xilogravuras montado como um álbum
 Hishikawa Moronobu - 1680-90S

Koshoku ito yanagi
好色いと柳
Shunga. Lovers and a pile of bed quilts. Fragment of a page from the erotic illustrated book Koshoku ito yanagi.
Hand-coloured sumizuri-e. Woodblock-printed
© The Trustees of the British Museum
Hishikawa Moronobu
Descrição: xilogravura colorida à mão (sumizuri-e). Shunga. Os amantes e uma pilha de colchas de cama. Este fragmento é de um livro ilustrado erótico; Koshoku yanagi ito sobre como seduzir vários tipos de mulheres. Esta é uma imagem para a 'amante depositados' (azuke-mono), descrevendo uma situação em que um homem não pode dar ao luxo de manter a sua amante em sua própria residência, instalando-a na casa de um amigo e providenciando a ela seus custos de vida.

Fantastical Scenes
 変化画巻
One from a pair of handscrolls; ink and light color on paper.
Hishikawa Moronobu

Woodblock print, album leaf. Popular culture. Two young men on the veranda of a house of entertainment with three women. From an untitled album. Beni-e on paper.
Hishikawa Moronobu
, 1683

Man with Two Women, from an untitled erotic series
一人の男に二人の女
Edo period, 1680s–90s
Hishikawa Moronobu

Two Couples, from an untitled erotic series
二対の男女
Edo period, 1680s–90sHishikawa Moronobu


       As estampas em folhas separadas caíram no gosto do público e as imagens começaram a ser julgadas pelo valor artístico. Os editores seguiram onda e encomendaram aos artistas estampas arrebatadoras com atores e beldades. Torii Kiyomasu (1697 - 1722) especializou-se em yakysha-e (retrato de atores), imagens animadas de populares cantores de kabuki, elevados à condição de celebridades na sociedade de Edo. As ilustrações costumavam ser utilizadas para divulgar suas apresentações.

Actor Matsumoto Jûkan
 松本重巻
Torii Kiyomasu
     O retrato acima, mostra o ator usando um roupão exuberante, decorado com caligrafia. Suas linhas graciosas e flutuantes e as pinceladas afuniladas são típicas da obra de Kiyomasu

Cortesã
Torii Kiyomasu
Actor Yamashita Kinsaku I, Center Sheet of a Triptych of Actors (Yakusha sanpukutsui chû)
「役者三幅対 中」 初代山下金作
Torii Kiyomasu
Three Beauties
Torii Kiyomasu


Saemon's Cherry Blossoms (Emon sakura): Sonobe Saemon and Usuyuki-hime at Kiyomizu-dera
「ゑもんさくら」
Torii Kiyomasu - 
about 1715
Woodblock print. Actors Ichikawa Danzo and Otani Hiro in play 'Kusazuri-biki': Danzo trying to hurl boat into sea; Hiro crashing through side to prevent him. With 'tan' (red) applied by hand. Signed, sealed and marked.
Torii Kiyomasu
Actor Ogino Izaburô I as Yamagami Gennai, Acting in the Aragoto Style with the Sumikazura Wig (Sumikazura aragoto)
山上源内 「角かづら荒事 荻野伊三郎」(初代)
Torii Kiyomasu, 1734 (Kyôhô 19), 11th month
       Para tornar as estampas mais atraentes como mercadoria, desde o inicio elas eram coloridas à mão com alguns tons de cores. Na década de 1740, apareceu o primeiro tipo de gradual policromática benizuri-e (imagens com impressão em vermelho), com áreas rosadas e verdes estas com tintas vegetais adicionadas aos contornos pretos.  O desejo de criar cópias totalmente coloridas resultou, em 1765, na invenção do nishiki-e (imagem em brocados), por Suzuki Harunobu (1725-1770), efeito obtido com a superposição de vários blocos. As cores extravagantes eram comparadas a sedas e brocados, ou melhor, nishiki. Ao mesmo tempo, a habilidade dos entalhadores e dos impressores se tornou extremamente sofisticada. Passou a ser possível reproduzir com precisão os detalhes das linhas fluídas  delicadas dos desenhos originais. As gravuras coloridas de Harunobu, que retratavam jovens elegantes, como em Moças do Sal na Praia do Tago-no-ura com o Monte Fuji Atrás fizeram sucesso imediato.


Moças do Sal na Praia do Tago-no-ura com o Monte Fuji Atrás
xilogravura colorida, coleção particular
Suzuki Harunobu
     Nesta imagem, Harunobu justapôs as cores em faixa e nos trajes. Sias obras costumavam ser inspiradas na poesia clássica, mas os personagens eram sempre disposta em cenários contemporâneos, com grande atenção aos penteados e às vestimentas da moda. Ele dominou o mundo ukiyoye, publicando centenas de suas imagens delicadas e lírica até a sua morte, em 1770.


Poem by Fujiwara no Motozane
百人一首 藤原元真
from the Series Thirty-Six Poets
Descrição e Análise:
       Neste impressão, uma jovem mulher segura uma vara de bambu em sua mão esquerda usado para pendurar roupas em cima de uma linha, se vira para olhar por cima do ombro e levanta sua mão direita, como se quisesse impedir seu filho de perseguir um pintinho. Ao longo de uma cerca no meio à esquerda da impressão, flores brancas de  UNOHANA florescem, indicando que se trata do início do verão. Um poema por Fujiwara no Motozane, um dos Trinta e Seis poetas imortais incluídos na série de imagens de Harunobo, é escrito em forma de nuvem-como ao longo da parte superior da impressão. As palavras são traduzidas por Jack Hillier como:
"Blossoming agora em nossa aldeia de montanha,

as flores UNOHANA parecem  como a neve

ainda persistente na cobertura."
       As linhas de fluxo das figuras se curvam energicamente  da direita para a esquerda e contrastam com os ramos florescentes, curvando-se da esquerda para a direita, para transmitir movimento elegante. Horunobu muitas vezes dilui mundos exteriores e interiores para criar uma sensação de harmonia natural, mas seu naturalismo pioneiro, que descreve uma mãe  e uma criança de verdade em atividades cotidianas, fez seu trabalho influente.  
       As frequentes representações  Ukiyo-e de uma mãe com seu filho, enfatizando linha e design para transmitir emoção e relacionamento, influenciou o trabalho de Mary Cassatt como visto no banho da criança (1893).
       A gravura também exemplifica o uso sutil de cores por Horunobu, desenhadas a partir da Escola de Torii Benizuri-e "impressões rosas" utilizadas em  um número limitado de cores, muitas vezes incluindo verde e rosa, utilizados no processo de impressão. Estes tons variados unificam a composição e criar uma sensação de vida vibrante.

Reading a Letter
Date: Originally in Edo era. This re-carved edition was made probably in the early 20th century.
Suzuki Harunobu

The Bride Riding in the Palanquin (Koshi-iri), sheet 3 of the series Marriage in Brocade Prints, the Carriage of the Virtuous Woman (Konrei nishiki misao-guruma), known as the Marriage series
婚礼錦貞女車 三 輿入れ
Suzuki Harunobu, Edo period
about 1769
A Modern Version of Ono no Komachi at Kiyomizu-dera Temple
清水小町
Suzuki Harunobu, Edo period
about 1767–68
Woodblock print. Popular culture. Girl helping young man in nagabakama to tie his waistband.
Suzuki Harunobu, 
Edo period
A couple and noodle vendor in the night
Suzuki Harunobu, 
Edo period, 1766

Young Lovers with a Clock
男女と時計
Suzuki Harunobu, Edo period, about 1767–68
shunga / print
Colour woodblock print. Shunga. The courtean and her client in bed quilts in front of a screen decorated with a Chinese landscape.
Suzuki Harunobu, 1769-1773 (circa)

Shunga/print
Colour woodblock print. Shunga. Woman and a young man with quail in a cage, woman fulling cloth. A woman is a worker of picking cotton and a young man is a merchant of cotton. There is a account book behind young man.
Suzuki Harunobu, 1770 (circa)
Washing Hairs
Date: Originally in Edo era. This re-carved edition was made probably in the early 20th century.
Suzuki Harunobu

The Weaver
機織り
Edo period
about 1766–67
Suzuki Harunobu
       Kitagawa Utamaro (1753 - 1805) deu mais impasse na representação  de mulheres com retratos mais realistas, como Coquete, sua obra abriu caminho para a era de ouro das gravuras ukiyoye na arte japonesa da primeira metade do século XIX.


Coquete
Xilografia colorida com mica
Mudei Nacional de Tóquio - Japão
 Kitagawa Utamaro

       O nome Kitagawa Utamaro é sinônimo de bijin-ga, que se concentra nas imagens de belas mulheres. Utamaro retratou mulheres de todas as idades e classes sociais em um estilo realista. A mais bem-sucedida colaboração do artista com seu editor Tsutaya Juzaburo (1750 - 1797) foi uma série de okubi-e (grandes retratos de cabeça), um novo formato de retrato que representava a metade superior do corpo da mulher e dava muita atenção às características faciais. O olhar perspicaz de Utamaro flagrava detalhes das personalidades e dos humores, bem com a aparência física, geralmente em momentos de intimidade. Coquete faz parte da série chamada Dez Estudos da Fisionomia Feminina. Moura uma mulher desarrumada, que acaba de sair do banho . O título japonês desse estudo a identifica como uwaki, palavra que sugere a volubilidade e sedução. A pose coquete coma boca ligeiramente aberta e o desarranjo das roupas e dos prendedores de cabelo acentuam a sugestão de sedução.

       Detalhes da obra: 


Moldura com selos
A inscrição dentro da moldura inclui o título da série Dez estudos da fisionomia feminina, à direita, e a assinatura de Utamaro à esquerda. À partir de 1790, o xogunato governante declarou que todos os ukiyoye precisavam ser inspecionados e receberem um selo. Sob o nome do artista, encontra-se um carimbo circular indicando aprovação oficial. Abaixo dele, está outro selo com o formato  de uma folha de hera sob o monte Fuji. É o logotipo do editor Tsutaya, cujo nome significa "Loja da Hera".

Fundo em mica
O fundo da gravura é adornado com pó de mica para criar um brilho branco metálico que reluz e cintila. Utamaro foi um dos primeiros artistas a utilizar esse material caro para fazer o fundo.




Penteado
O domínio técnico do entalhador e do impressor é tão importante quanto do artista. Suas habilidades estão visíveis nos pequenos detalhes no cabelo da mulher. Utamaro sugere que ela é descompromissada e mostra seu cabelo desarrumado, com alfinetes, pentes e fios do cabelo fora do lugar,



Kosode
Utamaro presta muita atenção aos estampados, empregando uma suar combinação  de cores para criar  um efeito decorativo. Gostava particularmente de usar os desenhos nos tecidos para sugerir contornos sensuais das formas femininas. Neste caso, Utamaro usa as dobras da roupa para sugerir seu comportamento coquete. O kosode (vestimenta larga, de costuras retas, precursora do quimono), também escorrega do ombro, revelando um seio.









Utamakura 歌まくら (Poem of the Pillow)
Shunga, colour woodblock print. No. 10 out of 12 illustrations from a printed folding album (sheets mounted separately). Lovers in private second floor room of tea-house. Inscribed and signed.
Kitagawa Utamaro
Descrição e análise:
       Poem of the Pillow incluiu 12 imagens em um álbum dobrável, e esta é a décima impressão da série mostrando dois amantes em uma casa de chá. A mulher se recosta de costas para o espectador, enquanto seu torso se curva para a perna esquerda nua, revelada enquanto sua roupa escorrega. Na frente dela, um homem se inclina para um beijo, sua forma flui acima da dela, enquanto suas pernas nuas encontram as dela do lado esquerdo. Através do tecido preto e branco transparente de seu manto, seus corpos se encontram, enquanto seu pé esquerdo a alcança por trás de sua perna. A paleta de cores sutis dos padrões vermelho e preto transmitem uma profundidade de sentimento, enquanto no fundo uma grade da varanda, uma persiana amarela à direita e uma planta verde que se estende acima da grade criam uma sensação de privacidade, como o chá e a tigela  
 à direita, contêm alimentos, cria uma sensação de intimidade.

       Mais da metade das gravuras de Utamaro era shunga, e ele é considerado pelos historiadores da arte japonesa como o grande mestre do gênero. Poema da Almofada, ou "Utamakura" foi acompanhado por um poema de um poeta japonês clássico, que dizia: "Seu bico foi preso com firmeza / Na garra / O snipe* não pode voar para longe / De uma noite de outono". (*Narceja-galega. Lymnocryptes minimus) 
      Em vez de uma imagem particular, a infinidade de imagens eróticas nas estampas de shunga teve uma forte influência sobre os artistas europeus, particularmente Audrey Beardsley, Henri Toulouse-Lautrec e Pablo Picasso. O crítico de arte e colecionador Edmond de Goncourt descreveu como o escultor Auguste Rodin "pede para ver o minha literatura erótica japonesa e ele está cheio de admiração diante das cabeças caídas das mulheres, as linhas quebradas de seus pescoços, a extensão rígida dos braços, as contrações de pés, toda a voluptuosa e frenética realidade do coito, todo o escultural entrelaçamento dos corpos fundidos no espasmo do prazer". Este tratamento desavergonhado de assuntos sexuais foi levado ao espírito da arte européia.

Ten Examples of Study of Women's Faces - Washing Hair
Date:Originally in Edo era. This edition was made probably in the early 20th century.
Kitagawa Utamaro
Okita - Six Famous Beauties
Date: Originally in Edo era.
This re-carved edition was made in unknown date.
Kitagawa Utamaro
Woman Making Up Her Lips
口唇
Edo period
about 1795–96
Kitagawa Utamaro
The Story of Umegae (Umegae ga kotoba)
「梅が枝が言葉」
Edo period
about 1797–98
Kitagawa Utamaro
Bijin With a Fan
Date:Originally in Edo, this re-carved edition was published in late 20th century.
Kitagawa Utamaro

Moatside Prostitute
1920-30 (circa)
Kitagawa Utamaro

Mother and Child, from the series Meisho fûkei bijin jûni sô,
Edo period, Late, 1789-1868
Kitagawa Utamaro

A Chrysanthemum of the Enclosed Quarter and a Waterweed Flower (Kakoi no kiku, ukigusa no hana), from the series Matching Flowers and Comparing Makeup (Hana awase keshô kurabe)
「花合せ化粧くらへ かこいの菊 浮草の花」
Edo period, about 1801–02
Kitagawa Utamaro


     Torii Kiyonaga (1752 - 1815), nome original Sekiguchi Shinsuke, se concentrou na representação de bijinga (imagens de mulheres bonitas). As mulheres em suas gravuras eram altas e imponentes, desenhadas com linhas elegantemente graciosas em um estilo realista.
       Foi aluno de Torii Kiyomitsu e por um tempo dirigiu a escola Torii. Tão grande, porém, era sua lealdade à família Torii que ele fez seu próprio filho, um jovem pintor promissor, parar de pintar para não interferir na carreira do sobrinho de seu mestre Torii Kiyomine.

The Seventh Month -Evening Send-Off
Series Title: Twelve Months in the South
Kanji : 七月 夜送り Series Kanji : 美南見十二候

Torii Kiyonaga
        O Sul no título da série, Doze Meses no Sul (Minami Jünikö) indica um bairro de prazer não oficial de Shinagawa nos subúrbios do sul de Edo (Tóquio moderna). A editora originalmente planejava produzir uma série descrevendo lugares diferentes para cada mês. No entanto, as impressões foram publicadas apenas até o sétimo mês antes de a série ser cancelada, provavelmente devido a restrições orçamentárias. Cada impressão foi feita a partir de vários blocos de cores diferentes com belos padrões. Este é o único mês desta série rara na coleção da Academia de Artes de Honolulu. O fundo foi impresso em gradações de preto para representar uma cena noturna impressionista. O homem alto à esquerda (identificável pela espada enfiada em sua faixa) provavelmente é um convidado sendo expulso pela gueixa na posição correspondente à direita, enquanto outras mulheres os cercam, incluindo duas carregando lanternas em cada extremidade do grupo.  Kiyonaga habilmente usa o formato de díptico (pelo qual ele era famoso), juntamente com uma composição claramente organizada e equilibrada, para sugerir um encontro romântico à noite entre o casal. "Prazer da noite de verão"

Beauties Under a Maple Tree, from the series "A Collection of Contemporary Beauties of the Pleasure Quarters  (Tosei yuri bijin awase)"
Torii Kiyonaga

Young Girl and Four Attendants, from the series Current Manners in Eastern Brocade (Fûzoku Azuma no nishiki)
「風俗東之錦」 姫君と侍女四人
Edo period, about 1784 (Tenmei 4)
Torii Kiyonaga

Interior of a Bathhouse
女湯
Edo period, about 1787
Torii Kiyonaga
Descrição e análise:
      Esta gravura retrata um número de mulheres, nuas ou parcialmente vestidas, em várias atividades de banho. O banho era um ritual importante na cultura japonesa e as cenas de casas de banho comunais foram incorporadas ao assunto cotidiano do ukiyo-e como um dos poucos a incluir o tratamento do nu. A impressão é de duas folhas, com quatro mulheres do lado esquerdo e quatro do lado direito, uma das quais está lavando um bebê. No centro superior de ambos os painéis, uma área de lavagem é parcialmente exibida, mostrando a parte inferior do tronco de uma mulher enquanto ela se lava. À esquerda, um pequeno painel aberto e outro, ainda menor, captam um vislumbre da área balnear dos homens. Os baldes de água, alguns cheios, outros inclinados e vazios, estão dispostos em uma linha diagonal, que ecoam pelas diagonais do painel de flores e criam um movimento vertical das mulheres ajoelhadas em primeiro plano em direção à área balnear parcialmente protegida. O uso da composição de linhas verticais e horizontais contrasta com as figuras curvilíneas, cada uma das quais é individualizada, tanto em características físicas como em atividades.
       Esta gravura em particular foi anteriormente propriedade do pintor impressionista Edgar Degas, que foi influenciado não apenas por sua composição vertical e horizontal, mas também pelas poses das figuras, capturadas em atividades comuns que são tanto íntimas quanto reveladoras. Kiyonaga fez várias variações dessa imagem, e essa impressão é uma segunda variação, pois a mulher em pé na folha da direita foi alterada para uma pose mais modesta.

        Toshusai Sharaku  (1794 - 1795 data de suas atividades, sendo desconhecido o nascimento e morte) pesar de sua fama hoje, quase nada é conhecido sobre ele. Ele surgiu aparentemente do nada no início de 1794, produziu um total de 146 impressões conhecidas em um curto período de 10 meses e depois desapareceu.
        Os japoneses o chamam de "mestre enigmático do ukiyo-e".  Olhe para uma coleção de gravuras japonesas do período, e você saberá instantaneamente quais são as dele. Os olhos são mais assertivos, rugas e marcas de expressão nos rostos das personagens, os looks mais dramáticos e as composições mais ousadas do que qualquer coisa que tivesse ocorrido antes ou depois. Ao contrário dos mestres anteriores, Sharaku não idealizava seus sujeitos nem tentava retratá-los realisticamente. Em vez disso, ele exagerou os traços faciais e lutou pelo realismo psicológico. Henri Toulouse-Lautrec foi particularmente influenciado pelos retratos arrojados e individualizados de Sharaku, e adotou um tratamento similar, incluindo as caretas exageradas, ao retratar os habitantes do Moulin Rouge e outras casas noturnas parisienses.
      Seus retratos, produzidos por uma editora imaginativa, saíram em quatro lotes para coincidir com as aberturas sazonais do teatro kabuki. Além de algumas fotos de lutadores de sumô e gravuras comemorativas, praticamente toda a produção em seu nome era de atores contemporâneos em suas várias partes. O estilo varia entre os períodos, a qualidade se deteriora à medida que prosseguem. E então a saída simplesmente pára.
       Esse é o enigma que tem obcecado historiadores de arte. Ele era um artista único ou, dado os diferentes estilos e qualidade de seu trabalho, várias pessoas trabalhando sob um único nome? Ele parou de trabalhar ou, como alguns outros, continuaram com um nome diferente? Sua produção foi a genuína criação de um único gênio ou outros por trás disso?

The Actors Sawamura Yodogoro II and Bando Zenji, plate 22 from the portfolio Sharaku,
Vol. 1 (Tokyo: Adachi Colour Print Studio, 1940)
  Toshusai Sharaku

Segawa Tomisaburo II and Nakamura Manyo
20th century reproduction of 1794-95 design
Toshusai Sharaku

Actor Sakata Hangorô III as Fujikawa Mizuemon
三代目坂田半五郎の藤川水右衛門
Edo period 1794 (Kansei 6), 5th month
Toshusai Sharaku
三代目大谷鬼次の奴江戸兵衛
Kabuki Actor Ōtani Oniji III as Yakko Edobei in the Play The Colored Reins of a Loving Wife (Koi nyōbō somewake tazuna)
6th month, 1794
Toshusai Sharaku
Análise e descrição:

       Esta estampa dramática representando o famoso ator Otani Oniji II, em que usa linhas fortes e elementos simplificados para transmitir um sentimento de malevolência implacável. O ator Otani Oniji II é retratado aqui no papel de Yakko Edobe. Um yakko é um servo freqüentemente usado pelos samurais para realizar atos violentos.

      Yakko Edobei, que estava muito feliz em cumprir as ordens de seu mestre samurai, o ator aqui se torna sinônimo de seu papel enquanto ele é pego em Mie, num momento de extrema emoção com a dramática expressão facial que caracterizou o kabuki. O branco da pele, quando suas mãos que se agitam saem de seu corpo e o branco de seu peito nu se curva até sua expressão agressiva, é destacado pelos contornos negros circundantes de seu manto e cabelo. Contra um fundo cinza, a figura é plana, quase recortada e modernista em seu retrato psicológico realista.
   Reduzido a elementos essenciais, tanto o ator quanto o papel que ele está desempenhando, como mostrado em sua roupa e na crista que ele usa, seriam imediatamente reconhecíveis para o espectador.

   Katsushika Hokusai (1760–1849) foi o primeiro artista japonês a ser reconhecido internacionalmente e continua a inspirar artistas em todo o mundo. Usou ,ais de 30 nomes artísticos ao longo dos 89 anos em que viveu – começou a desenhar aos seis. A partir dos 70 anos de idade, Katsushika Hokusai, artista japonês que viveu entre 1760 e 1849, assinava suas obras como “Pintor Velho e Louco”, o que dá uma ideia do quão intensa foi sua vida. Aos 80, partiu a pé, pelo meio das montanhas, para ir de Tóquio, na época conhecida como Edo, até o lendário Monte Fuji, em uma viagem de quase 130 km.
       O  Monte Fuji foi sua grande inspiração e obsessão. Entre suas impressionantes 30 mil obras, compostas por pinturas, xilogravuras, livros e desenhos, estava a coleção Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji que, apesar do nome, era formada por 46 gravuras em madeira, datadas de 1832, que apresentavam diferentes pontos de vista do Monte, em diferentes épocas do ano, com diferentes condições de tempo.
      Uma das obras que faz parte da coleção, justamente a mais famosa criação de Hokusai, é A Grande Onda de Kanagawa. Não satisfeito, dois anos depois, Hokusai iniciou outra coleção, As Cem Vistas do Monte Fuji, publicada somente após sua morte.
     Curiosamente, pouco antes de morrer, Hokusai, mantendo viva as tradições orientais mesmo em seus últimos suspiros, escreveu um haicai, característico poema nipônico, que dizia: Agora como espírito / devo atravessar / os campos do verão.

「富嶽三十六景 神奈川沖浪裏」
Under the Wave off Kanagawa (Kanagawa oki nami ura), also known as The Great Wave, from the series Thirty-six Views of Mount Fuji (Fugaku sanjūrokkei)
1830–32
Katsushika Hokusai
Descrição e análise:


       Esta gravura, que é reconhecida internacionalmente, retrata uma grande onda (o título alternativo para este trabalho é The Great Wave), pintado em azul da Prússia favorecido por Hokusai, sua crista quebrando em representações estilizadas de espuma branca. A onda quase enche o lado esquerdo da tela, e sua energia curvilínea parece ameaçar engolfar o Monte Fuji. Esse efeito envolvente é criado pelo uso sutil de perspectiva do artista e sua implantação de um horizonte posicionado no terço inferior da pintura. Entre as ondas, podem ser vistos vários barcos japoneses, suas formas longas e curvas, diferenciadas por seus planos de cores contrastantes, ecoando as linhas das ondas. A cena tem uma energia iminente, retratando o momento imediatamente anterior à quebra da onda. O Monte Fuji, a montanha mais alta do Japão, era tradicionalmente considerado um símbolo da imortalidade, um totem de kami, mas sua forma diminuída aqui, como a onda se eleva sobre ele, sugere que a ideia de imortalidade é tão transitória quanto os barcos para ser inundado e dilacerado.


       O curador de arte Timothy Clark, chamado Cem Vistas do Monte Fuji, do qual a gravura foi tirada, como "um dos maiores livros ilustrados". A série foi produzida em três volumes e incluiu 102 vistas da montanha. Foi produzido numa época em que Hokusai, que muitas vezes mudava o nome do artista, chamava-se Gakyo-rōjin ("Velho Homem Louco a Pintar"), ou Manji ("Dez Mil Coisas" ou "Tudo"), mostrando sua intenção de crie um tour de force abrangente. Elementos do trabalho de Hokusai, inovadoramente variado e prolífico, influenciaram inúmeros artistas europeus como Claude Monet, que tinha uma cópia da Grande Onda exibida em sua casa em Giverny. Paul Gauguin, Auguste Rodin, Edgar Degas, Gustave Klimt, Édouard Manet, Vincent van Gogh e Franz Marc colecionaram suas impressões. Degas foi influenciado pela representação de Hokusai da figura humana em atividades não postas e comuns, enquanto suas formas curvilíneas e composições ondulantes influenciaram o desenvolvimento da Art Nouveau.


Kuwana, No. 43 from the series Fifty-three Stations of the Tôkaidô Road (Tôkaidô gojûsan tsugi)
「東海道五十三次 桑名 四十三」
about 1802 (Kyôwa 2)
Katsushika Hokusai

Fine Wind, Clear Weather (Gaifû kaisei), also known as Red Fuji, from the series Thirty-six Views of Mount Fuji (Fugaku sanjûrokkei)
「富嶽三十六景 凱風快晴」
about 1830–31 (Tenpô 1–2)
Katsushika Hokusai
Sra Oiwa
1830
Katsushika Hokusai
Bullfinch and Weeping Cherry (Uso, shidarezakura), from an untitled series known as Small Flowers
中判花鳥 「鷽(うそ) 垂桜(しだれざくら)」
Edo period, about 1834 (Tenpô 5)
Katsushika Hokusai 
The Mansion of the Plates (Sara yashiki), from the series One Hundred Ghost Stories (Hyaku monogatari)
「百物語 さらやしき」
Edo period, about 1831–32 (Tenpô 2–3)
Katsushika Hokusai

Koshu Ishibuchizawa - from 36 Views of Fuji
18th–19th century
Katsushika Hokusai 
諸國名橋奇覧 かうつけ佐野ふなはしの古づ
Old View of the Boat-bridge at Sano in Kōzuke Province (Kōzuke Sano funabashi no kozu), from the series Remarkable Views of Bridges in Various Provinces (Shokoku meikyō kiran)
1827–30
Katsushika Hokusai 
Poem by Fujiwara no Yoshitaka, from the series One Hundred Poems Explained by the Nurse (Hyakunin isshu uba ga etoki)
「百人一首うはかゑとき 藤原義孝」
Edo period, about 1835–36 (Tenpô 6–7)
Katsushika Hokusai
The Dream of the Fisherman's Wife
1814
Katsushika Hokusai

Descrição e análise:
       O Sonho da Mulher do Pescador, também conhecido como Girl Diver and Octopuses, é uma cópia em xilogravura que foi incluída em um livro de três volumes de erotismo chamado Kinoe no Komatsu e se tornou o mais famoso design de shunga da Hokusai. O trabalho retrata uma fêmea ama, ou mergulhadora, enredada nos membros de dois polvos. O polvo grande realiza cunnilingus em seus genitais amplamente enfatizados, enquanto o polvo menor acaricia sua boca e mamilo esquerdo. A mulher parece ter grande prazer com a troca, denotada por seu rosto relaxado e rosto feliz. No texto acima da imagem de Hokusai, o grande polvo diz que ele trará a garota para o dragão deus do mar, o palácio submarino de Ryūjin.

       Dizem que a peça derivou da inspiração de uma história popular da época que aparecia com frequência na arte do ukiyo-e. No conto,

Princesa Tamatori é uma jovem mergulhadora casada com Fujiwara no Fuhito, procurando por uma pérola roubada de sua família por Ryūjin. Enquanto ela mergulha sob a água para ajudar a recuperar a pérola, um exército de criaturas marinhas a persegue. Ela foge da pérola cortando o seio e escondendo-o, mas morre de sua ferida logo depois de chegar à superfície.

      O colega artístico de Hokasai, Yanagawa Shigenobu, também criou uma imagem semelhante de uma mulher em relações sexuais com um polvo em sua coleção Suetsumuhana em 1830. O trabalho também influenciou outros artistas como Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Auccon, Fernand Khnopff e Picasso. pintou sua própria versão em 1903. Também é citado como um ancestral do "tentáculo erótico" contemporâneo, que apareceu na animação e mangá japonês desde o final do século XX.
Flock of Chickens
群鶏
Edo period
about 1835 (Tenpô 6)
Katsushika Hokusai
Descrição e análise: 
       Esta gravura do mestre Hokusai, representando realisticamente diferentes raças de galinhas, todas amontoadas, cria um redemoinho circular de forma, à medida que as aves se tornam uma onda de cor e fluxo curvilíneo. O influente trabalho de Hokusai foi inspirado em modelos europeus, neste caso por ilustrações científicas de diferentes espécimes. No entanto, sua ênfase no design, a dramática paleta de cores vermelha, branca e preta com variações de marrom e dourado, exemplificam os princípios estéticos japoneses, pois suas imagens kachō-ga aqui se tornam uma imagem de pássaros dispostos como se fossem variações de uma forma florescente. As linhas curvas das penas da cauda dos galos criam uma sensação de movimento e unificam a imagem, fortemente delineada pelo preto contra o fundo azul. Estas impressões foram muitas vezes produzidas como ventiladores de papel de mão, refletidas através da forma composicional neste trabalho.

       As gravuras kachô-ga de Hokusai tiveram uma grande influência em designers e artistas europeus em meados do século XIX, como os serviços de mesa de serviço Rousseau (ca. 1867) de Felix Bracquemond inspirados nas imagens de mangá de Hokusai representando muitas espécies de pássaros e flores.

      Considerado o último grande mestre do gênero ukiyo-e, o artista japonês Utagawa Hiroshige (1797–1858) foi uma figura extremamente influente, não apenas em sua terra natal, mas também na pintura ocidental. No final do século XIX, como parte da tendência do “japonismo”, artistas europeus como Monet, Whistler e Cézanne, procuraram inspiração na obra de Hiroshige, e um certo Vincent van Gogh ficou conhecido por pintar cópias de sua obra.

      Hiroshige nasceu em 1797 de uma família samurai em Edo (Tóquio moderna). Depois que seus pais morreram, por volta dos 14 anos, Hiroshige começou a pintar e estudou por vários anos com o artista Toyohiro. Durante este período ele produziu muitos trabalhos refletindo temas tradicionais de ukiyo-e, como mulheres e atores, mas após a morte de Toyohiro em 1928 ele sofreu uma mudança acentuada em direção às paisagens pelas quais ele é mais conhecido hoje, bem como imagens de pássaros e flores. 


       Em 1856, por volta dos 60 anos, Hiroshige “retirou-se do mundo”, tornando-se um monge budista. Dois anos depois, ele faleceu (durante a grande epidemia de cólera, embora não se saiba se esta foi a causa da morte) e foi enterrado em um templo Zen em Asakusa. Pouco antes de sua morte, ele escreveu o seguinte poema:
       "Eu deixo minha escova no leste

       E parti em minha jornada.
      Eu verei os lugares famosos na terra ocidental"


     Suas séries mais famosas incluem as vistas famosas da capital oriental (1831), as cinquenta e três estações do Tōkaidō (1833-1834), as sessenta e nove estações do Kisokaidō (1834-1842) e trinta e seis vistas do Monte Fuji. (1852–1858).
      Acredita-se que Hiroshige tenha produzido ao longo de sua vida uma colossal 8000 impressões.


Number Four of the Tokaido, 1850
Utagawa Hiroshige

Number Four of the Tokaido, 1850
Utagawa Hiroshige

Carp Swimming Against a Waterfall, 1852
Utagawa Hiroshige
“Fox Fires” on New Year’s Eve at the Shozoku Nettle Tree in Oji, 1857
Utagawa Hiroshige

Unexpected Rainfall on the Big Bridge at Atake, 1857
Utagawa Hiroshige
Descrição e análise:
       Esta impressão icônica retrata várias pessoas cruzando a ponte de madeira de Shin-Ōhashi, construída em 1694 e atravessando o rio Shimoda, quando são apanhadas por uma chuva repentina. As figuras mais próximas, duas mulheres, abrigam-se sob seus guarda-chuvas, pois vários homens usam seus chapéus ou capas para se protegerem da chuva, e suas faixas diagonais escuras cruzam verticalmente a impressão. Uma única figura pode ser vista à esquerda tentando empurrar sua jangada pelo rio em segurança. A habilidade inovadora da impressão é refletida tanto na chuva caindo, criada pela criação de linhas paralelas em direções variadas, quanto pelo uso de bokashi, uma técnica de impressão que exigia a marcação manual de um xilogravura úmida, criando profundidade com as gradações de tinta aqui, tanto no azul escuro das águas sob a ponte quanto na faixa azul levemente mais escura da tempestade no topo. As estampas de ukiyo-e costumavam retratar o tema de rajadas repentinas de vento ou chuva, mostrando a presença constante da natureza por seu efeito imprevisível sobre a atividade humana.

       A perspectiva aérea de Hiroshige, seu horizonte diagonal bem acima do centro, seu uso de espaço negativo, desprovido de figuras ou detalhes, e grandes áreas de cor influenciaram muitos artistas ocidentais. Whistler criou uma série de pinturas como Nocturne: Blue e Gold - Old Battersea Bridge (1872), que descreviam uma ponte que empregava a composição de Hiroshige e sua paleta redutora, levando ao desenvolvimento do tonalismo. Os impressionistas e pós-impressionistas também foram influenciados pelo artista japonês como visto na ponte de van Gogh na chuva (depois de Hiroshige) (1887).


The Plum Garden at Kameido Shrine, 1857
Utagawa Hiroshige
Descrição e análise: 
       Esta gravura da famosa série, Cem visões famosas de Edo (1856-1859), retrata um jardim de ameixeiras visto através dos galhos da Ameixa do Dragão Adormecido, uma árvore famosa e sagrada em Tóquio, cujas flores brancas duplas acredita-se que afastam as trevas. Outras ameixeiras com os primeiros brotos da primavera se estendem até a distância, onde um número de figuras pode ser visto ao longo do horizonte, onde um céu claro escurece em vermelho no terço superior da impressão. O artista utilizou de maneira inovadora a orientação vertical de uma estampa de retrato e uma perspectiva exagerada que cria um close-up recortado da Ameixa-do-dragão adormecida. A composição torna-se quase abstrata, e o céu vermelho com o sinal no canto superior esquerdo e os selos no canto superior direito achatam ainda mais o plano pictórico. A paleta de cores um tanto sombria e sombreada nos galhos largos da árvore emoldurada transmite a estética agridoce da arte tradicional japonesa, à medida que a árvore envelhecida e sombria enquadra a visão das flores de ameixa associadas à primavera e ao sentimento romântico.

       Cem visões famosas de Edo, que na verdade incluíram 119 paisagens, foi uma das obras finais de Hiroshige e foi contratada para caracterizar a reconstrução da cidade após o terremoto de 1855. Vincent van Gogh foi muito influenciado pelo Plum Park em Kameido, pintando uma cópia dele em 1877, embora, notando o efeito sombrio do original, ele alterasse as cores para um efeito mais vigoroso e juvenil.


      O gênero ukiyo-e declinou durante o resto do século, em face da modernização que o viu como antiquado e trabalhoso para ser produzido em comparação com as tecnologias ocidentais. 


Recomendo também esta  publicação do IMS:
https://issuu.com/ims_instituto_moreira_salles/docs/ims_ukiyo-e_tomo2




Fontes:
FARTHING, Stephen. This is Art. Quintessence Editions Ltda. 2010. p. 236 - 239
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/45022
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/56689
https://ukiyo-e.org/artist/hishikawa-moronobu?start=200
http://www.britishmuseum.org/research/collection_online/collection_object_details/collection_image_gallery.aspx?assetId=509692001&objectId=781694&partId=1
https://www.mfa.org/collections/object/actor-matsumoto-jûkan-233101
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/60012809
https://ukiyo-e.org/image/artelino/51403g1
http://www.britishmuseum.org/research/collection_online/collection_object_details.aspx?objectId=775638&partId=1
http://www.jaodb.com/db/ItemDetail.asp?item=31279
https://aulazen.com/historia/historia-do-japao-antigo-do-periodo-edo-a-restauracao-meiji/
https://www.britannica.com/biography/Torii-Kiyonaga
http://www.artic.edu/node/4656
https://olharesdomundo.com.br/o-olhar-de-katsushika-hokusai/

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